Das letzte Mal haben wir über Musik, das Internet und Technologie zum Thema Musiklernen gesprochen. Wir haben den Aufstieg von Apps, die einfache Zugänglichkeit von Lernressourcen einschließlich der Lieblingslieder und die Möglichkeit, unseren Unterricht mit unserem täglichen Leben zu synchronisieren, festgestellt. Infolgedessen stellen sich Fragen aus der heutigen Zeit. Ist die Nutzung des Internets zum Erlernen von Musik eine Möglichkeit, die heutigen Werkzeuge optimal zu nutzen, oder eine negative Auswirkung auf die Kultur der heutigen Gesellschaft, sich an sofortige Zufriedenheit zu gewöhnen? Hat die Tonaufnahme nicht nur beeinflusst, wie wir spielen lernen, sondern auch, wie wir Musik hören und insgesamt machen? Hat die Technologie die Kunst des Live-Auftritts beeinflusst? Befindet sich die Notenschrift in einem Zustand der Schwebe, in dem immer mehr Pianisten und Songwriter moderne Technologie einsetzen, um ihre Noten zu perfektionieren? berühmte Klavierlieder im Gegensatz zur Aufnahme mit dem Pianisten, der geschriebene oder gedruckte Stücke spielt Noten? Auf welche Gewohnheiten sollten wir achten und sie nachahmen oder vermeiden? Um diese Fragen zu verstehen, haben wir die Hilfe der Hochqualifizierten gesammelt Bruce Brubaker um die Antworten auf diese umwerfenden Fragen freizuschalten.
DER EINFLUSS DER TECHNOLOGIE AUF DIE AUFNAHME BERÜHMTE KLAVIERLIEDER
Technologie ist allgegenwärtig. Daher ist es nicht verwunderlich, dass es die Musikkunst im 20. und 21. Jahrhundert tiefgreifend beeinflusst hat. Es hat die Art und Weise verändert, wie Musik übertragen, bewahrt, gehört, aufgeführt und komponiert wird. Immer seltener hören wir musikalischen Klang, der in gewisser Weise nicht von der Technologie geprägt wurde. Technologie ist an der Verstärkung von Konzertsälen, der Aufnahme und Ausstrahlung von Musik sowie der Gestaltung und dem Bau von Musikinstrumenten beteiligt. Beispielsweise verwenden viele Kirchenorgeln heute eher synthetisierte oder gesampelte Klänge als tatsächliche Pfeifen. Es sind jetzt Instrumente erhältlich, die wie Klaviertastaturen aussehen und wie Klavier-Timbres klingen, aber tatsächlich dedizierte digitale Synthesizer sind. Virtuose Interpreten, deren Instrument der Plattenteller ist, gehören heute nicht nur zur Welt der Disco, sondern auch zur Welt der Konzertmusik. John Zornhat zum Beispiel ein Stück für geschrieben Gesang, Streichquartett und Plattenspieler). Die Technologie verändert das Wesen der Musik, obwohl eine beträchtliche Anzahl von Musikern das Ausmaß ihres Einflusses immer noch nicht einschätzt.
„Spillane“ von John Zorn
Es ist allgemein anerkannt, dass Technologie mit dem Aufkommen von Aufnahmen zur Musik kam. Thomas Edison erfand 1877 einen rohen Zylinderphonographen. Ende des 19. Jahrhunderts stellten Unternehmen in den USA und in England Musikaufnahmen auf CD her. Vor den Aufnahmen erfolgte der Eigenverbrauch aller Musikstücke, unabhängig davon, ob sie für das Keyboard komponiert wurden oder nicht, ausschließlich über private Klavieraufführungen. Die Möglichkeit, musikalische Darbietungen durch Aufnahme zu erhalten, veränderte die sozialen und künstlerischen Bedeutungen der Musik grundlegend. Die Erfindung des Tonbandgeräts ein halbes Jahrhundert später machte musikalische Klänge nicht nur reproduzierbar, sondern auch veränderbar. Die resultierenden Techniken ermöglichten es, aufgenommene Töne zu fragmentieren, zu kombinieren, zu verzerren usw. Eine solche Manipulation könnte nicht nur die Klangqualität, sondern auch die Zeitspannen beeinflussen. Durch Ändern der Aufnahmegeschwindigkeiten kann beispielsweise ein Komponist von musique concrète könnte ein komprimieren Beethoven Symphonie in einer Sekunde oder ein Wort dauern eine Stunde.
Moderne technologische Aufzeichnungen und Sendungen haben Musik aus dem Konzertritual entfernt. Heute gibt es neben dem Konzertsaal viele Orte, an denen man Musik hören kann. im Wohnzimmer faulenzen, im Auto fahren, im Park oder am Strand picknicken, über Kopfhörer zur Schule oder zur Arbeit gehen, im Park joggen oder auf den Bus oder Zug warten. Umgebungsgeräusche vermischen sich frei mit denen, die in Supermärkten, Arbeitsstätten, Restaurants, öffentlichen Verkehrsmitteln und praktisch überall zur offensichtlichen Freude der Zuhörer ausgestrahlt werden. Viele Komponisten mögen immer noch Progressionen schaffen, die eine Bewegung durch die Zeit von Anfang bis Ende definieren, aber die Zuhörer sind nicht länger Sklaven eines Konzertrituals, das den Abschluss aufrechterhält. Jeder dreht das Zifferblatt. Die Technologie hat die Zuhörer von der Vollständigkeit der musikalischen Form befreit. Ist es eine Überraschung, dass die jüngsten Komponisten eine Ästhetik gepflegt haben, die eindeutige Anfänge und Enden vermeidet, dass sie Musik eher wie ein Mosaik lose verbundener Ereignisse als wie ein fortwährender Fortschritt durch die Zeit geschrieben haben? Solche neuen Ansätze für die musikalische Zeit stehen im Einklang mit der Fähigkeit der Hörer, die Grenzen ihrer Hörspannen selbst zu bestimmen. Komponisten, die diese Tatsache weiterhin ignorieren, sind wohl hinter der Zeit zurück.
Die Hörer wählen nicht nur aus, wo sie ein Musikstück starten und beenden, sondern auch, in welcher Reihenfolge sie die Abschnitte hören. Während die Aufnahmen von Bändern und Aufzeichnungen über CDs, USB-Laufwerke bis hin zu Cloud-Speicher und kostenlosem Streaming fortgeschritten sind, ist der Direktzugriff für Hörer fast so einfach wie das Atmen. Die Reihenfolge der Ereignisse in aufgenommener Musik war jedoch schon in den frühen Tagen der Aufnahme willkürlicher als bei Live-Auftritten. Noch bevor die Audiotechnologie zu einer hoch entwickelten Kunst wurde, hatte sie einen tiefgreifenden Einfluss auf die musikalische Struktur. Es ist kein Zufall, dass Komponisten zur gleichen Zeit, als Musik aufgenommen wurde, die Redundanz ihrer Werke drastisch reduzierten. Die Musik des 20. Jahrhunderts ist voller Wiederholungen und Rückkehrer. Die Intensität in der Musik des frühen 20. Jahrhunderts beruht auf der mangelnden Wiederholung: Arnold Schönberg‚S Erwartung ist ein extremes Beispiel sowohl hinsichtlich der Intensität als auch des Mangels an offener Wiederholung.
Dieses Stück wurde als das „einzige langwierige Werk in einem athematischen Stil“ beschrieben, bei dem im Laufe von 426 Takten kein Musikmaterial mehr zurückgegeben wurde, und als eines der „uneinnehmbaren“ „großen Denkmäler der Moderne“.
Heutzutage erfolgt das musikalische Spleißen elektronisch mit weitaus größerer Raffinesse und Flexibilität als bisher vorstellbar. Infolgedessen unterscheiden sich Aufnahme und Performance in zwei getrennte Kunstformen. Wenn wir eine gute Live-Performance hören, werden wir von der Erfahrung erfasst. Wenn wir später eine Aufnahme derselben Aufführung hören, werden wir möglicherweise enttäuscht sein, da die Aufregung der Live-Aufführung – teils visuell, teils viszeral – nicht auf Tonband aufgezeichnet werden kann. Wenn es in einer Live-Performance ein paar falsche Noten oder Rhythmen gibt, wen interessiert das dann? Aber selbst eine kleine Anzahl von Klinkern auf einer Aufnahme, die immer wieder distanzierter als das Hören von Konzerten zu hören sind, kann verrückt werden. So suchen aufgenommene Performances nach Perfektion, während Live-Performances nach Unmittelbarkeit streben.
DIE AUSWIRKUNG DER TECHNOLOGIE AUF GENRES UND ZUGÄNGLICHKEIT
Bruce Brubaker, ein Piano-Musikalbum-Aufnahmekünstler, internationaler Live-Performance-Pianist und Gründer von PianoMorphosisglaubt, dass das Mischen von moderner Musik und Technologie eine positive Sache ist. In gewisser Weise bezieht er sich auf die Anfänge der Tonaufnahme am Ende des 19. Jahrhunderts, eine Technologie, die die Musik völlig veränderte. Tatsächlich argumentiert er, dass es die Musik verbessert, obwohl es auch andere Effekte hatte. In ungefähr hundert Jahren nach der Tonrekodierung ist es sehr wahrscheinlich, dass sich der Stil der Musikaufführung so stark verändert hat, dass er laut Bruce wahrscheinlich nicht mehr für das erkennbar ist, was wir als Musiker jetzt tun. Da sich unsere Gesellschaft viel schneller bewegt, ist dies bereits Teil der Art und Weise, wie wir als Menschen Klavier lernen. Es ist jetzt effektiv Teil der Zukunft.
Es gibt so viele verschiedene Arten des Online-Lernens, und doch fangen wir erst an. In gewisser Weise, bemerkt Bruce, war es tatsächlich etwas langsam, obwohl es jetzt sicherlich etwas ist, worüber die Leute reden und viel nachdenken. Laut Bruce ist eine der größten Auswirkungen davon, wie vorteilhaft es war. „Es ist völlig verändert, was Musik ist. Ich weiß nicht, ob die Musik so bedeutend ist, aber sie ist sicherlich bedeutsam. Es hat in gewisser Weise einen Zugang zu Musik geschaffen. Die Art und Weise, wie Menschen verschiedene Arten von Musik an verschiedenen Orten finden können, während es in der Vergangenheit unmöglich gewesen wäre, alle Arten von Traditionen herauszufinden, nicht nur klassische. “ Bruce betont, dass dieser Aspekt der Barrierefreiheit hinter der Revolution des Musikmachens, der Erweiterung des Genres und der sozialen Vernetzung von Musikern steckt. Die Fähigkeit, von jedem in der Geschichte ohne Grenzen unserer gegenwärtigen Geographie zu lernen, ist von zentraler Bedeutung für das, was unser individuelles und kollektives Wissen darüber erweitert hat, was Musik war, ist und werden wird. Daher ist die Zugänglichkeit heutzutage von zentraler Bedeutung für die musikalische Expansion.
Der Zugriff auf diese Informationen ist der Schlüssel, den Bruce angibt. „In der Vergangenheit musste man jemanden finden, der das Instrument spielte, das man lernen wollte, und an der gleichen Stelle sein, an der er lernen sollte, wie man das Instrument spielt. Unterschiedliche Orte, unterschiedliche Zeitpläne, all diese Fragen des Zugangs waren ein dringendes Problem. Heutzutage gibt es mehr Flexibilität und eine größere geografische Reichweite. Der Lernprozess ist viel weniger einseitig als in der Vergangenheit. Fast jeder wird Dinge ausprobieren, die sogar im Widerspruch stehen könnten. Es gibt mehr „demokratisches“ Lernen, was wiederum zu einer einseitigeren Form des Lernens geführt hat. Dies hat den Lernprozess beschleunigt. Infolgedessen ist das Leistungsniveau der Menschen höher als in der Vergangenheit. Darüber hinaus sind die Finanzen jetzt viel einfacher zu verwalten, da für einen Lehrer nicht mehr bezahlt werden muss. “
Diese Idee einer besseren Zugänglichkeit zu weniger bekannten oder bisher unbekannten Stücken führt zu einer großen Wertschätzung der musikalischen Vielfalt. Bruce erwähnt: „Das Internet hat auch den Zugang zu allen Arten von Aufführungen und Musik von allen Arten von Menschen und allen Orten in der Zeit ermöglicht. Erstaunliche Pianisten der Vergangenheit, die selbst in der Vergangenheit nicht gut vertreten waren, haben ihre Stücke jetzt kostenlos online verfügbar. Dies eröffnet eine völlig neue und grenzenlose Fangemeinde. Es gibt einen unglaublichen Zugang zu allem, was mit den richtigen Kanälen die Möglichkeit für die Big-Data-Erfassung aller Aspekte der Musik schafft, wie z. B. Musikgeschichte, Performance, Aufführungspraktiken, Spieltechniken usw. Wie wir das verstehen eine größere Frage. Die Informationstechnologie ist im Allgemeinen eine größere Frage. “ Wenn wir uns durch all dies zurechtfinden, sollte die Zukunft unvorhersehbar und dennoch aufregend sein, um sie in den kommenden Jahren zu erleben.
Betrachten Sie das Ausmaß dieses nahtlosen Zugriffs auf berühmte Klavierlieder und sofortige Kommunikation und wohin sie geht, wird ein Bereich der menschlichen Soziologie sein, der es wert ist, studiert zu werden. Wie das Internet und die Technologie als globale Gesellschaft alles miteinander verbinden, ist eine Art und Weise, wie wir noch nie zuvor verbunden waren. Bruce glaubt fest daran, dass Musik eine Gruppenaktivität ist. Er sagt: „Die Leute machen eigentlich keine Musik als Individuen. Musik selbst ist eine Art Funktion der menschlichen Gesellschaft als Gruppen. Alles, was wir als Einzelpersonen musikalisch tun, wirkt sich im Laufe der Zeit auf das gesamte Musikprodukt einer Gruppe aus. Wenn wir immer mehr verstehen, wie verbunden wir sind, ändert sich unsere Einstellung zur Musik. Komponisten als Individuen zu sehen, ist eine Idee, die zu Ende geht. Sie sehen sie eher als eine Gruppe von Praktizierenden. Jeder Mensch ist Teil einer kollektiven Aktivität. Angesichts der Entwicklung dieser Idee ist es wahrscheinlich, dass die jüngere Generation aus individueller Sicht viel bewusster ist und sich daher mehr für das Spielen interessiert als für vergangene Generationen. „
VOM KLAVIER SPIELEN BIS ZUM DRÜCKEN EINES SCHLÜSSELS
Dies ist natürlich mit Herausforderungen und Schwierigkeiten verbunden, die in einigen dieser Videos auftreten können, da das Klavier ein Instrument ist, das Tasten und Tastaturen hat, und da Computer Tasten und Tastaturen haben, können Musiker den Eindruck haben, dass das Musizieren nur irgendwie Tasten drückt. Bruce warnt: „Da der größte Teil der Musik, an der wir interessiert sind, immer noch Musik ist, bei der es sich um individuelle Musik handelt, die zu Linien kombiniert wird, kann dies zu einer Schwierigkeit werden. Wenn Sie also jemanden in einem Video sehen, der einige Tasten drückt und dann dieses Spielmuster kopiert. Sie bekommen plötzlich den falschen Eindruck, dass auch Sie jetzt Musik machen können. Längere Verbindungen oder Linien sind bei aufstrebenden Musikern viel schwieriger zu entwickeln. Grundlegende Probleme mit dem Klavier: Die Art der Linien, die Sie im Gegensatz zu anderen Instrumenten mit horizontaler Spiellinie erstellen können, birgt im Vergleich zu einigen anderen Instrumenten, z. B. dem Verbinden einzelner Noten zu einer größeren, ein höheres Risiko, einen falschen Eindruck von der Spielfähigkeit zu vermitteln Einheit ist. Natürlich ist dies ein iEin weiteres Problem beim Musizieren auf einer Tastatur und nicht aufgrund des Internets. Seltsamerweise ist Musik in digitaler Form besonders gut vertreten. Tatsächlich ist es einer der ersten Fälle, in denen Musik auf diese Weise betrachtet wird. Es könnte vielleicht auf mathematische Weise beschrieben werden. Gehörlose können buchstäblich Klavier spielen. Auf diese Weise ist es ein ungewöhnliches Instrument. Bei Saiteninstrumenten muss man zum Beispiel die Tonhöhe kontrollieren. “
Im Wesentlichen weist Bruce darauf hin, dass Pianisten aufpassen sollten, falls sie den falschen Eindruck haben, einfach Tasten zu drücken und sich bewusst zu sein, dass es ein anderes Element gibt. Die Technik, auf dem Klavier Klang zu erzeugen, ist eine Herausforderung, die durch eine Internetsituation vermittelt werden kann und über die man sich Sorgen machen muss. Wie Sie Ihre Hand auf den Schlüssel legen, was Sie mit Ihrem Handgelenk, Arm und Ellbogen tun. Dies ist etwas, bei dem ein Lehrer in einem Raum helfen würde, und es ist schwieriger, dies an einem Online-Ort oder -Format zu vermitteln. Einer von mehreren Schwierigkeiten beim Online-Lernen sind das, was der Lehrer beim Unterrichten eines solchen Schülers zuerst berücksichtigen würde. Auch Lehrer bieten jetzt Unterricht über das Internet an. Erst mit der Zeit werden wir wissen, was dies in Bezug auf seine eigenen Vor- und Nachteile bewirkt.
DER TECHNOLOGISCHE EFFEKT AUF DIE MUSIKNOTATION
Bruce weist darauf hin: „Der Klang, den Sie hören, wenn Sie ein modernes Klavier spielen, ist ein Ergebnis der industriellen Revolution. Von einigen widerstanden und von anderen umarmt. “ Obwohl er glaubt, dass die Notenschrift das Risiko birgt, ein Relikt der Vergangenheit zu werden, glaubt er jedoch nicht, dass es bald gehen wird. Was er glaubt, ist Folgendes: „Die Notation von Musik kommt der Tonaufnahme selbst näher. Wir kommen an einen Punkt, an dem eine durchlässige Schnittstelle mit Notationen und Sounds konvergiert. Es ist jetzt unvollkommen, aber es wird besser mit der visuellen Darstellung von Ton, was die Dinge einfacher macht. Im Aufnahmestudio kann der Ingenieur beispielsweise visualisieren, was gerade gespielt wird, insbesondere wenn er auf einem Klavier spielt. Ich denke, die Art und Weise, wie wir mit Klang hin und her gehen, und eine Art visuelle Darstellung von Klang wird immer weniger getrennt. Die Begeisterung für das Stück im Vergleich zu dem, was pädagogisch zunächst sinnvoll wäre, sind zwei Aspekte, die zusammenlaufen. Es ist gut, eine grundlegende Herangehensweise an ein Instrument und eine grundlegende Herangehensweise an Musik zu haben, die gut genug ist, um in Zukunft kompliziertere Dinge zu lernen und daher leichter darauf aufzubauen. “
Aufgrund der elektronischen Technologie hören wir heute nur noch selten unveränderte Musik. Die Klänge, die wir hören, wurden nicht nur von Musikern aufgeführt, sondern auch von Toningenieuren interpretiert, die die Akustik von Konzertsälen verstärkt, perfekte aufgezeichnete Aufführungen zusammengefügt, künstlich nachhallende Aufführungsräume geschaffen und Klänge auf der ganzen Welt über Satellitensendung stark projiziert haben verstärkte Rockkonzerte und schuf zeitliche Kontinuitäten, die es nie „live“ gab. Der Audioingenieur ist fast so gut ausgebildet wie der Konzertkünstler und kann ein ebenso sensibler Künstler sein.
Die Aufnahmetechnologie hat uns gezwungen, zu überdenken, was ein Musikstück ausmacht. Es ist unvernünftig zu behaupten, dass die gedruckte Partitur die musikalischen Klänge darstellt. Die Partitur gibt normalerweise keinen Hinweis darauf, wie der Audioingenieur seine Variablen manipulieren soll. Zwei unterschiedlich gemischte, ausgeglichene und nachhallende Aufnahmen derselben Performance können bis zu zwei verschiedene Performances desselben Werks kontrastieren. Wir mögen Aufnahmen konservativ als Mittel zur Erhaltung von Performances betrachten, aber Aufnahmen sind weit mehr als das. Sie sind selbst Kunstwerke, nicht nur Reproduktionen. Menschen, die Schallplatten und Kassetten kaufen, sprechen daher zu Recht davon, die Musik zu besitzen.
Laut Musiktheoretiker Walter Everett, wenn Die Beatles nahmen ihr Lied „Strawberry Fields Forever“ auf, zwei Versionen wurden gemacht. Es wurde ursprünglich für die Beatles und für Flöten eingespielt und in der Tonart A mit einem Tempo von etwa 92 Schlägen pro Minute aufgenommen. Nach dem Anhören des Ergebnisses John Lennon entschied, dass es „zu schwer“ klang und wollte, dass es schneller aufgenommen und aufgeführt wurde. Eine zweite Version mit Trompeten und Celli wurde in der Tonart B-Dur mit etwa 102 Schlägen pro Minute aufgenommen. Lennon mochte den Anfang der ersten Version und das Ende der zweiten und bat den Ingenieur, sie zusammenzufügen. Wenn die Geschwindigkeiten beider Bänder an die Tonhöhe angepasst wurden, war das Tempo beider Bänder mit 96 Schlägen pro Minute zufällig gleich. Die beiden Teile wurden zusammen bearbeitet. Diese Prozedur verleiht Lennons Gesang ein unwirkliches, traumhaftes Timbre, insbesondere im zweiten, verlangsamten Teil des Songs.
Ein Sound, der vor der Aufnahmetechnologie nicht zu erzeugen ist.
Eine 1985 veröffentlichte Aufnahme von George Gershwin‚S‘Rhapsodie in Blau”Ab 1924. Der Komponist ist Klaviersolist und Michael Tilson Thomas dirigiert das Orchester. Seltsam ist, dass Thomas vier Jahre nach Gershwins Tod geboren wurde! Gershwin hatte das Klaviersolo aufgenommen, und Thomas leitete die Jazzband, um genau auf die Soloaufnahme abzustimmen, die er über Kopfhörer überwachte. Die Aufführung ist etwas angespannt, da der Solist nie auf das Ensemble reagiert, aber die Ästhetik hinter der Aufnahme ist faszinierend. Die Technologie hat eine Zusammenarbeit zwischen zwei Künstlern geschaffen, die sich nie hätten kennen können.
In dem Song „Another One Bites the Dust“, aufgenommen von der Rockgruppe Königingibt es eine bestimmte verbale Nachricht, die nur zu hören ist, wenn die Aufnahme rückwärts abgespielt wird. Ein Teil der Titelzeile, die während des gesamten Songs wiederholt gesungen wird, wird rückwärts als „Marihuana“ ausgegeben. Dieses Phänomen hängt von der besonderen Aussprache von „Another One Bites The Dust“ ab. Was wir haben, ist eine verborgene Botschaft, von der nur bekannt ist, dass sie sie auslöst, und die durch eine Eigenart der Technologie in die Musik eingebettet wird. Es gibt einen Hinweis, dass wir rückwärts hören sollten. Bestimmte musikalische Klänge werden rückwärts aufgenommen. Zum Beispiel hören wir manchmal zuerst ein allmähliches Crescendo, dann ein plötzliches Abschneiden der Rückseite eines scharfen Angriffs, gefolgt von einem allmählichen Verfall.
WIE TECHNOLOGIE BEEINFLUSST HAT, WIE WIR MUSIK AUFNEHMEN, WIE WIR MUSIK KOMPONIEREN
Was bedeutet das alles? Zum ersten Mal in der Weltgeschichte befreit die mechanische Reproduktion ein Kunstwerk von seiner parasitären Abhängigkeit vom Ritual. In immer größerem Maße wird das reproduzierte Kunstwerk zum Kunstwerk der Reproduzierbarkeit. Aus einem fotografischen Negativ kann man beispielsweise eine beliebige Anzahl von Abzügen machen; nach dem „authentischen“ Druck zu fragen, macht keinen Sinn. Aber sobald das Kriterium der Authentizität nicht mehr auf die künstlerische Produktion anwendbar ist, kehrt sich die Gesamtfunktion der Kunst aus unerklärlichen Gründen um. Daher kann das, was wir oft spielen lernen, niemals mit dem identisch sein, was wir hören. Dies führt dazu, dass der Pianist oder Musiker sich ändern muss berühmte Klavierlieder zu etwas, das menschlich live spielbar ist.
Wer Komponist im traditionellen Sinne des Wortes sein möchte, sollte die Schriftsprache verstehen, mit der die Wünsche eines Komponisten den Interpreten mitgeteilt werden. Aber warum sollte ein Komponist, der direkt mit Klang arbeitet und keine Partituren, sondern Aufnahmen produziert, ein irrelevantes symbolisches System lernen? Darüber hinaus hat die Verfügbarkeit der geeigneten Hardware und Software das Kompositionserlebnis einem breiten Kundenkreis zugänglich gemacht. Es ist möglicherweise nicht möglich, die Kunst der Instrumental- oder Vokalkomposition gründlich zu erlernen, ohne die Notation zu beherrschen, aber Computer ermöglichen es jedem, den Nervenkitzel des Musikschaffens zu erleben.
Ein junger Geiger kann immer noch unzählige Stunden allein in einem Übungsraum verbringen, um seinen Klang zu verbessern. Aber wie oft wird dieser Ton ohne die Intervention von Aufnahme-, Rundfunk- oder Akustikverstärkungstechnologie gehört? Dieser Geiger muss kein Technologieexperte werden, sondern muss zumindest lernen, wozu Technologie in der Lage ist und wie er mit Ingenieuren kommunizieren kann. Jeder Musiker, der die Bedeutung von Wörtern wie Entzerrung, digitaler Bearbeitung, Sampling, Nachhall, Mischen usw. nicht kennt, hat keinen Kontakt zu seiner Kunst und ist im wahrsten Sinne des Wortes Analphabet.
Bruce Brubaker begann sein musikalisches Leben als klassischer Pianist. Er konzentrierte sich auf klassische Musik wie Mozart, Brahms, Schubert, Chopin usw. Schon früh interessierte er sich für neue Musik, zeitgenössische, klassische Musik, einschließlich manchmal komplizierter Musikstücke. In jüngerer Zeit besteht seine professionelle Arbeit aus Neuamerikanismus, Minimalismus, Werken von Philip Glass usw. Zu seinen Konzerten gehören improvisierte Elemente wie das Spielen auf zwei Klavieren mit einem anderen Pianisten, wobei klassische Stücke auf eine Weise neu kombiniert werden, die sie nicht im Voraus geplant haben, und so atmen neues Leben auch bekannten Stücken. Während seines Unterrichts konzentriert er sich immer noch auf „traditionelle klassische Musik“ sowie einige Jazzstücke und synchronisiert ein konventionelles Repertoire. In seiner Erfahrung hat Bruce erkannt, dass die jungen Pianisten von heute in Bezug auf ihre Beherrschung des Instruments besser sind als alle anderen Pianisten. Er selbst hat viel bei Juilliard studiert und kommt aus einer hochdisziplinierten Ausbildung.
ABSCHLIESSENDE GEDANKEN
Es ist, als hätten Komponisten unbewusst erkannt, dass ihre Musik aufgenommen und somit den Hörern für wiederholte Anhörungen zur Verfügung stehen würde. Als Komponist R. Murray Shafer hat bemerkt: „Die Zusammenfassung war auf der Scheibe.“ Musik wurde in den frühen Jahrzehnten des letzten Jahrhunderts wesentlich komplexer als je zuvor, und der Trend zu immer größeren Komplexitäten hat sich bis heute fortgesetzt (allerdings mit bemerkenswerten Ausnahmen). Die Informationsdichte in der Musik hat exponentiell zugenommen. Es wurden Gesten komponiert, die so komprimiert sind, dass sie erst nach mehreren Anhörungen vollständig verstanden werden können. Wiederholtes Hören ist möglich, sobald die Musik aufgenommen wurde.
Auf die Autokratie wiederholter Anhörungen wurde reagiert. Viele Komponisten haben ihre Werke so strukturiert, dass jede Aufführung anders ist. Zum Beispiel können sie den Darstellern eine Reihe von Fragmenten geben, die in zufälliger Reihenfolge gespielt werden sollen. Diese offene Herangehensweise an die Form feiert, was die Aufnahme zerstört, die Einzigartigkeit jedes Augenblicks. Individuelle Realisierungen solcher Musik werden im offensichtlichen Widerspruch zu ihrer eigentlichen Bedeutung aufgenommen und sind daher unweigerlich immer wieder zu hören. Komponist Karlheinz Stockhausen einmal verglichen die Aufnahme einer Version einer offenen Form mit einem Foto eines Vogels im Flug. Wir verstehen das Bild so, dass es nur eine von vielen Formen zeigt, die der Vogel annehmen kann. Aber welches ist das Kunstwerk, der Vogel oder das Foto? Und welche Komposition hören wir, die abstrakte offene Form, die wir mit Hilfe von Partituren oder Programmnotizen intuitiv verstehen könnten, oder die feste, sorgfältig ausgearbeitete Aufnahme?
Technologie ist zu einem integralen Bestandteil der meisten Aspekte unseres Lebens geworden, einschließlich der Art und Weise, wie wir Musik hören, komponieren und aufführen. Früher war es in Mode, von unserer Ära als einer Ära des Übergangs zu sprechen. Heute können wir uns täuschen lassen, dass der Übergang endet, da die postmoderne Ästhetik oberflächliche Rückkehr zu früheren Stilen hervorgebracht hat. Im Gegenteil, der Übergang in den Künsten wird nur dann enden, wenn Menschen, Künstler und Publikum den vollen Auswirkungen der technologischen Revolution ausgesetzt sind. Ob unsere Musik tonal oder atonal, chaotisch oder geordnet, hart oder sanft, natürlich oder künstlich sein soll, das sind nicht die wichtigen Fragen. Was unsere Musik – die Musik, die wir spielen, hören und produzieren – über unsere technologische Kultur erzählt, ist ein weitaus tieferes Indiz für das Temperament unserer Gesellschaft. Die Möglichkeiten zur Erkundung sind endlos, ebenso wie unsere Fähigkeit, jedes einzelne Stück zu individualisieren. Ist die künstlerische Interpretation bekannter Stücke das neue Live-Erlebnis? Werden übermenschliche, perfekt polierte aufgenommene Stücke eine Live-Show übertreffen? Die Fragen gehen weiter, Technologie verändert die Musik, die wir hören, spielen, aufnehmen und aufführen. Das einzige, was wir wissen, ist, dass wir in einem beispiellosen Zeitalter leben, das mit unermesslichen Möglichkeiten gefüllt ist.
Ressourcen:
- Bruce Brubaker
- PianoMorphosis
- Symposium Musik: Der Einfluss der Technologie auf das Musikerlebnis
- John Zorn, Verbotene FruchtElektra / AsylunVNonesuch Records 9 79172-2 (1987).
- John Zorn: Spillane (Album)
- Arnold Schönberg
- Karlheinz Stockhausen
- Walter Everett, „Phantastic Remembrance in John Lennons“ Strawberry Fields Forever „und“ Julia „, 72 (1986): 377.
- George Gershwin, Rhapsodie in Blau, Columbia Records M-34105.
- George Gershwin: Rhapsody in Blue (Album)
- Michael Tilson Thomas
- Königin, Noch einer beißt ins GrasHollywood Records HR 61265-2 (1992).
- Walter Benjamin, „Das Kunstwerk im Zeitalter der mechanischen Reproduktion“, trans. Harry Zohn, in Illuminations (New York: Schocken, 1969), p. 24.
- R. Murray Shafer, Die Abstimmung der Welt (New York: Knopf, 1977), p. 114.
- R. Murray Schafer
Der Beitrag Die Auswirkungen von Technologie und Internet auf das Musiklernen – Teil 2 von 2 erschien zuerst auf Anfänger Kurse.
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https://fuer-anfaenger.info/die-auswirkungen-von-technologie-und-internet-auf-das-musiklernen-teil-2-von-2/
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